Disciplining Corpulence
dans le Journal of Contemporary Ethnography :
de AM Czerniawski - 2011 -
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1 Aug 2011 – Disciplining Corpulence: The Case of Plus-Size Fashion Models. Amanda M. Czerniawski aczernia{at}temple.edu
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Disciplining Corpulence
The Case of Plus-Size Fashion Models
Amanda M. Czerniawski1
1Temple University, Philadelphia, PA, USA
Amanda M. Czerniawski, Department of Sociology, 1115 West Polett Walk, Temple University, Philadelphia, PA 19122. Email: aczernia@temple.edu
Abstract
In this ethnographic study of plus-size fashion models in New York City, I build on previous research that has only examined the staged performance of fat and, instead,
focus attention on the “backstage” aesthetic labor process. Using participant observations and interviews, I document an intensive aesthetic labor process, whereby
these models continually developed their bodies according to the demands of their fashion employers. Their actions, as part of an aesthetic labor process involving
affective, emotional, and physical labor, only served to reify normative imperatives involving female bodies. As aesthetic laborers subject to fashion’s gaze, they engaged
in a range of bodily disciplines that relied on thin aesthetics. Consequently, their bodies became both subjects and objects, managed through self-surveillance and
corporal discipline. I draw on these findings to highlight a nuanced aesthetic labor process that, rather than challenging discursive constructions of fatness to create a
new “fat aesthetic,” reproduced normative imperatives involving female bodies that further perpetuated their sense of disembodiment.
de B Aude - 2011 -
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de corpulence : entre diversité
Contar con el cuerpo
CONTAR CON EL CUERPO: CONSTRUCCIONES DE LA IDENTIDAD FEMENINA - ANTONIA FERNANDEZ VALENCIA. Comprar el libro y ver resumen y ...
Notas
Coords. Antonia Fernández Valencia, Marián López Ferdández Cao
Resumen del libro
Coords. Antonia Fernández Valencia, Marián López Ferdández Cao. El propósito de este libro es acercarnos al concepto de cuerpo desde una perspectiva multidisciplinar. Las/Los autoras/es de este volumen provienen de distintos ámbitos de la ciencia y l acultura de nuestro país.
El cuerpo en venta
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EL CUERPO EN VENTA: RELACION ENTRE ARTE Y PUBLICIDAD - JUAN CARLOS PEREZ GAULI. Comprar el libro y ver resumen y comentarios online.
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El Cuerpo en venta
Juan Carlos Gauli La representación del cuerpo humano ha sido a lo largo de la historia una de las principales fuentes de inspiración para el ser humano. En estos últimos años, las ciudades occidentales aparecen habitualmente sembradas de imágenes publicitarias que intentan, si no representarnos, sí construir un modelo genérico con el que sentirnos identificados. A lo largo de este siglo, ambos lenguajes han elaborado una análisis pormenorizado de hombres y mujeres donde se detallan ampliamente las preocupaciones existenciales, se muestran el modo de vida y los ideales estéticos entre otros. El cuerpo ha servido para representar el inicio de la mecanización de la sociedad, para proyectar la imagen de lo que podría haber sido el ser humano del siglo XX, para convencer de las bondades de la guerra, para reflejar la intolerancia o para constituir un modo de vida en el que todos los ciudadanos de un país se sientan identificados. Asimismo, el cuerpo también ha servido como punto de reflexión introspectivo, como medio para representar un modelo de belleza, o como proyección de una fantasía sexual.
Arte y publicidad dos lenguajes afines En esta investigación hemos descubierto que existe una constante vinculación icónica entre las imágenes artísticas y publicitarias manifiesta a lo largo de todos los movimientos y tendencias creativas del siglo XX. Los primeros pasos dados por la publicidad y el arte son paralelos, sin embargo ya desde estos primeros inicios se comienzan a establecer las diferencias entre los dos. El siglo XX nace con el lenguaje publicitario muy definido y ocupando el lugar del arte en la transformación de la sociedad. Visto ahora a través de la historia, podemos concluir que sin la fuerte irrupción de la publicidad, el desarrollo de las vanguardias habría sido de otro modo. En la primera década del siglo XX, la publicidad se convierte en el lenguaje de los nuevos tiempos, un lenguaje profundamente vinculado al pensamiento mecanicista. La investigación formal, sin embargo, continuaba en manos de las corrientes artísticas más innovadoras. Durante las vanguardias históricas, el arte exploró e investigó al máximo propuestas icónicas dentro de las artes plásticas, pero mantuvo siempre una cierta sintonía con la producción publicitaria. El inicio de la publicidad moderna no procederá sin embargo de las incipientes agencias de publicidad, sino de los movimientos formalistas de los años veinte y treinta (Der Stijl, la Bauhaus y el Constructivismo). En sus planteamientos, la actividad creativa no estará directamente vinculada a la habilidad artística. Desarrollarán el concepto del profesional de la comunicación visual. Las figuras actuales del publicitario, el diseñador, el comunicólogo visual, son herederas de estos primeros planteamientos. La influencia de estos movimientos en la publicidad será esencial. Si comparamos las creaciones de estos artistas con las producidas por las agencias publicitarias de la época, encontramos unas diferencias notables. La producción publicitaria no vinculada a las artes plásticas es en general de una calidad plástica bastante insuficiente. Sin embargo ello no es óbice para que durante los años veinte y treinta colabore en la creación de identidades nacionales como la americana "American Way of Life" La I Guerra Mundial había descubierto las posibilidades de la propaganda, y la II Guerra Mundial las explotará al máximo. Tras la contienda, la publicidad aparece plenamente reforzada y pasa a constituirse como un elemento esencial en la reconstrucción de los países occidentales. La publicidad gana en calidad plástica debido en una parte considerable al trasvase creativo que se produce de las artes plásticas a este campo. A finales de los cincuenta y principios de los sesenta, por primera vez en la historia de ambos lenguajes, se alternan los papeles: la publicidad servirá de inspiración a la actividad plástica. El Pop norteamericano reconoce en la publicidad un lenguaje tan poderoso como el arte. Durante los años setenta, la publicidad se mantuvo en la misma línea, apenas evolucionó. Mientras tanto, el arte -exceptuando las propuestas artísticas de carácter social, underground, o contraculturales- tomó una línea que lo alejaba de las propuestas plásticas publicitarias. Ha sido en los años ochenta y noventa cuando se ha producido un nuevo acercamiento, y otra vez -como en los '60- ha sido el arte el que se ha acercado a las estructuras formales de la publicidad. Los artistas de los años ochenta y noventa utilizan los mismos procedimientos industriales para crear sus obras, y no solo eso, sino que también utilizan soportes procedentes de la publicidad como vallas, carteles, etc., y se apropian de los lugares públicos destinados a ella. La vinculación icónica entre el arte y la publicidad transciende a la figura humana La representación de la figura humana en arte ha estado siempre vinculada a su sentido real, a la condición de ser vivo ajeno a la obra y representado icónicamente a partir de ella, a partir de las vanguardias la figura humana se desvincula de la realidad y podríamos decir que se convierte en un signo más de la sintaxis de las obras plásticas lo que permite al espectador de la publicidad interpretar la figura humana sin buscar las vinculaciones con la realidad. En la II Guerra Mundial (a través de la propaganda bélica), los ideólogos de uno y otro bando crean todo un recetario donde el héroe, el verdugo, el enemigo, la madre, la enfermera, la prostituta, el herido, y así hasta una larga retahíla de estereotipos, quedan perfectamente definidos. Su amplia difusión dará al traste con los esfuerzos desarrollados en las vanguardias para crear modelos acordes con nuestro tiempo y ajenos a ciertos postulados históricos. En los años setenta y ochenta en arte se han mantenido estas dos directrices: por un lado, una corriente de carácter social, heredera del Pop europeo y de los movimientos contraculturales de finales de los sesenta, que mantiene ciertas referencias con la iconografía publicitaria, pero que en muchos casos la pone en evidencia y la cuestiona; y, por otro lado, una serie de corrientes plásticas historicistas que recurren con frecuencia a los modelos iconográficos procedentes de la historia del arte y, en algunos casos, de la publicidad. En publicidad podríamos decir que el modelo iconográfico de representación del ser humano es el siguiente: • Occidental, blanco, joven, atlético (hombres), delgado (mujeres), con el rostro indiferente o ensimismado, semidesnudo con la atención sexual focalizada en los glúteos y el pecho. Situación frontal, postura estática. Individuos aislados, no grupales. El ser humano artístico vs. el ser humano publicitario El arte de finales del XIX y buena parte del siglo XX viene definido en una gran medida por su sentido existencial. La representación del ser humano ha sido abordada desde diferentes puntos de vista, unas veces condicionados por los preceptos de los diferentes movimientos artísticos y otras muchas por reflexiones de carácter netamente individual. Una vez que el arte se libera de la doctrina del parecido entre lo real y lo representado, aparecen nuevas posibilidades de análisis sobre la figura. Se ofrecen nuevas maneras de representar la belleza, una belleza que, como en las esculturas inacabadas de Miguel Angel, no es formal, sino emocional. La mirada individual sobre la mirada colectiva es un hecho característico de las imágenes artísticas del siglo XX. Los antiguos cánones iconográficos de representación han ido desapareciendo a lo largo del siglo. Esto hace que el concepto de belleza cambie de forma radical en el mundo artístico, cosa que no sucede con la publicidad, que, pese a evolucionar, se mantiene siempre ligado a los cambios socioculturales de cada momento. En arte, el concepto de belleza va asociado a valoraciones personales; se trata en la mayoría de los casos de una búsqueda invidividual. En publicidad, sin embargo el concepto de belleza está siempre ligado a lo colectivo, no existe la búsqueda interior, sino la representación de los sentimientos colectivos de las sociedades de cada momento. Esta diferencia entre los dos lenguajes se hizo muy evidente en los años 90, donde la sociedad a través de la publicidad parecía más empeñada que nunca en construir un modelo de belleza único, irreal, artificial e incluso digital. Un cánon universal de belleza, que tratan de imitar muchos de los hombres y mujeres de los diferentes países industrializados del mundo y que condiciona el modo en el que miramos y juzgamos a los demás. Un segundo punto de reflexión lo encontramos en las distintas maneras de representar la superficie de la figura humana, la piel. La representación de la piel, -de la carne- en arte es una representación táctil basada en una experiencia directa. Las obras publicitarias sin embargo están desprovistas -en la mayoría de los casos- de sensaciones táctiles. Esto es debido a que, por un lado, la publicidad, se basa en muchas ocasiones en lo aparente, no investiga en el comportamiento individual y, por otro, la publicidad utiliza de forma generalizada la fotografía. El mayor carácter icónico de las fotografías sobre las imágenes artísticas hace que el espectador sea plenamente consciente de la bidimensionalidad de lo representado y del carácter de apariencia de lo real. El arte táctil no trata de ser una copia icónica de lo representado, se mueve en el terreno de las sensaciones, de lo figurado, de la ensoñación. La diferencia entre un apunte del natural de Schielle y una fotografía de una modelo es claramente evidente. El apunte no pierde con el paso de los años el sentido de inmediatez, ni deja de evocarnos la presencia física del artista frente a la modelo a través de cada detalle del dibujo, la línea más intensa o más sutil, el color, lo indefinido y lo preciso del dibujo, etc. La fotografía de la misma época, sin embargo, nos aleja de la realidad, ya que no podemos evitar percibirla a través del paso del tiempo. Un tercer punto de reflexión lo encontramos en la representación del carácter y en el análisis de la personalidad. De nuevo encontramos importantes diferencias. La publicidad, una vez más, recurre a la representación de lo genérico, la corriente dominante en la publicidad ha utilizado a lo largo de su historia un abanico reducido de gestos, a partir de los cuales ha tratado de representar el carácter del ser humano. Los gestos de sorpresa, de preocupación, enfado, actitud sexual o alegría se han ido reproduciendo de forma estereotipada a lo largo de los años. En la actualidad podemos hablar de una tendencia publicitaria que representa al ser humano como genérico a partir de la mirada introspectiva de individuos aislados. En arte, la representación del carácter del ser humano ha sido uno de los principales focos de análisis que se ha manifestado plásticamente a través del retrato y del autorretrato. El análisis psicológico de la personalidad humana ha estado presente en casi todos los movimientos artísticos figurativos de este siglo. Sexo y conocimiento vs. sexo y consumo El sexo ha sido uno de los temas más utilizados por el arte y la publicidad durante este siglo. La publicidad utiliza el sexo como un reclamo muy efectivo para atraer la mirada del espectadorvoyeur. Ya en los primeros carteles se recurría con frecuencia a la exhibición de mujeres semidesnudas como método para captar la atención del espectador masculino. En períodos sucesivos el sexo siempre ha sido un importante recurso comercial. Podemos definir las representaciones sexuales expuestas por la publicidad basándonos en tres conceptos que la definen: 1- Las "Pin-up’s": donde se focoliza la provocación del deseo masculino en la exhibición de los aspectos exclusivamente formales 2- La sexualidad pasiva, el espectador como voyeur. En publicidad cualquier referencia demasiado explícita al acto sexual está totalmente vetada por la censura. En la relación espectador voyeur, -antes sólo hombre y ahora también mujer- el ser humano representado se comporta de dos formas distintas. O bien se exhibe, o bien se mantiene ensimismado/a al margen de la relación anuncio-espectador. Cuando se produce este segundo caso, la publicidad retoma la iconografía decimonónica, en la que la mujer aparece representada en su entorno privado mientras es observada por el mirón. 3- Los personajes de la publicidad están desprovistos de una sexualidad propia. Su comportamiento sexual está exclusivamente en función del espectador. La publicidad busca por encima de todo la empatía entre el anuncio y el espectador, y trata de conseguirlo a través de la subordinación hacia el observador de todos los elementos que aparecen en la imagen. De este modo, las figuras representadas pierden su identidad sexual para convertirse en seres complacientes al servicio del mirón. El tratamiento de la sexualidad en arte es similar al publicitario excepto en aquellos artistas que analizan el sexo desde un punto de vista existencial. En arte podemos hablar las siguientes tendencias en el tratamiento de la sexualidad: 1) El artista como voyeur. Las características son similares a las ya analizadas en publicidad. La diferencia estriba en el grado de exhibición corporal, la publicidad está sujeta a la censura, mientras que la presencia de cuerpos desnudos femeninos en arte está socialmente permitido. 2) La sexualidad como representación física. Para muchos artistas la representación de la sexualidad les sirve como método de conocimiento y en el caso de algunos artistas homosexuales como construcción de su identidad. 3) Las fantasías sexuales. El surrealismo elaboró una amplia representación de fantasías sexuales (casi exclusivamente masculinas), que han servido de partida a otros artistas y a la publicidad. 4) La sexualidad como símbolo plástico. Algunos artistas como Brancusi o Burgoise, utilizan la simbología sexual como referente en sus composiciones plásticas, que se ubican en el límite de la iconicidad. Los estereotipos publicitarios son herederos de los estereotipos artísticos. El arte de finales del siglo XIX trata de reflejar con la mayor precisión posible algunas propuestas ideológicas que persiguen la idea -ya histórica- de una sociedad dividida entre mujeres y hombres con características completamente diferentes y encontradas. Estos años finales del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX serán muy fructíferas en lo que se refiere a la elaboración de estereotipos. La literatura y el ensayo establecerán las bases ideológicas, -en algunos casos supuestamente científicas- y el arte les dará forma visual. De esta manera, cuando la publicidad empieza a adquirir identidad como un lenguaje propio y autónomo, el arte ya ha elaborado un amplio muestrario de estereotipos iconográficos (la mujer sumisa, la mujer fatal, la mujer vampiro, etc.) que le servirán de referencia. En la difusión del estereotipo de la mujer como objeto tuvo una considerable importancia la obra surrealista y de algunos miembros del Dadaismo. Estos dos movimientos artísticos empezaron a experimentar en la elaboración de sus fantasías sexuales en la década de los años 30. El cine y las revistas del tipo "Pulp" ya habían comenzado a difundir imágenes, -dibujos a color- de mujeres con poca ropa y en poses atrevidas, que seguían de algún modo la iconografía erótica de finales y principios de siglo y la iconografía artística de las odaliscas y similares. Podriamos decir que este tipo de imágenes eran bastante "naif" desde el punto de vista erótico. Algunos miembros del Surrealismo recuperan este tipo de imágenes y las hacen más reales. Ayudan a crear la imagen de la mujer como objeto sexual dentro de las fantasías masculinas. Otro estereotipo se basa en la relación entre el ser humano y la naturaleza, radicalmente distinta si se trata de hombres o de mujeres. La relación entre hombre y naturaleza que nace en el romanticismo, está basada en el dominio. La naturaleza aparece reflejada como algo agreste, indómito, desconocido que pondrá a prueba la capacidad humana del hombre, se produce también una relación sexual desde el punto de vista masculino, en la que el hombre debe someter, desde lo simbólico, sexualmente a la naturaleza. La publicidad ha difundido y continúa difundiendo esta imagen a través de los aventureros. Los ejemplos los podemos encontrar en el hombre "Marlboro" o "Camel", el astronauta en la luna, el escalador, el corredor de campo a través o los hombres solitarios, que escrutan un paisaje impresionante. La relación entre la mujer y la naturaleza es bastante diferente. La naturaleza aparece como una personificación de la mujer. La construcción de este estereotipo es bastante complejo, no es obvio, y eso lo convierte en perverso. Se trata de un estereotipo, construido por la intelectualidad artística y literaria, entre otros, del siglo XIX, cuya finalidad es la de asociar a la mujer con lo irracional -naturaleza- y de este modo alejarla de las esferas de poder -racional/masculinas-. El resto de los estereotipos más utilizados hasta nuestros días se desarrollaron minuciosamente durante la propaganda bélica. Artistas y publicistas participaron codo con codo en su elaboración. Si analizamos las obras de arte recientes, las de esta década y las de las dos décadas anteriores, y las comparamos con la publicidad, podemos observar que pese a que en ambos lenguajes la difusión de estereotipos se mantiene, en arte han existido grupos de artistas que han tratado de deconstruir estos modelos de representación y de crear otros nuevos. ¿Por qué este fenómeno se produce en el lenguaje artístico y en menor medida en el publicitario?, Encontramos dos respuestas a esta pregunta: 1) Muchos cargos de responsabilidad de las agencias de publicidad están en manos de hombres que no sienten la necesidad de difundir un nuevo modelo de representación. La tan anunciada muerte del sujeto, pregonada por la posmodernidad no surge de los ambientes WASP de Nueva York, sino de los pensadores y pensadoras que dirigen la mirada a los más desfavorecidos por el sistema. Esta muerte del sujeto (hombre, blanco y occidental) y de la representación tradicional de la mujer fue ampliamente debatida en los años sesenta. La imagen de la mujer y del hombre aparecerá reflejada desde otra perspectiva. Estos grupos (fundamentalmente de mujeres) no se sentían reflejadas en aquellas imágenes que pretendían representarles, ya que en ellas los aspectos icónicos e iconográficos estaban sustentados sobre una amplia base de estereotipos que, por un lado, distorsionaban su imagen y, por otro, la representaban desde un punto de vista inferior. Es por ello, que tratan de construir un nuevo modelo iconológico de la representación de hombres y mujeres, cuyas imágenes construirán a partir de la propia experiencia interior. Lo que para estos grupos de artistas es un proceso natural de emancipación, para la sociedad se transforma en una transgresión de la norma. Al estado patriarcal -en crisis de identidad- le cuesta asumir esto nuevos cambios. Cuando Silvia Sleigh presentó el retrato de Raul Rosano -en el que un hombre aparecía desnudo y tumbado- le cerrraron la exposición por pornográfica en los años setenta, sin embargo en cualquier museo hay un amplio número de retratos de mujeres de ese tipo. Unos años más tarde, a Robert Mapplethorpe también le cerraron la exposición del Corcoran por motivos similares. Poco a poco la sociedad se ha ido haciendo más permeable y va asumiendo lentamente estos nuevos cambios. Para realizar arte no se necesitan los medios y la infraestructura que requiere la publicidad, por lo que es más fácil para aquellos grupos desfavorecidos por los patrones de representación reivindicar nuevos moldes a través del arte que de la publicidad. Las obras de ese primer grupo de mujeres artistas y las posteriores reflexiones de otras mujeres sobre los modelos de representación han ido permeando en la sociedad. Ya no se censuran exposiciones, sino que muchas de éstas artistas colaboran con el estado bien a través de exposiciones o del comisariado de ellas. Esto no quiere decir que las cosas hayan cambiando, sino que nos encontramos en el proceso del cambio. 2) la publicidad masiva se dirige fundamentalmente a un público poco crítico y más bien conservador. Que no suelen demandar un cambio en los tipos de imágenes que construye la publicidad, ya que se aferran a su educación y a los valores tradicionales. La crisis de los modelos de representación no pertenece sólo al ámbito artístico, sino que es una crisis que está sacudiendo a occidente. La imagen del mundo desde el punto de vista occidental ya no es válida para el próximo milenio. El arte ha dado el primer y la publicidad empieza a avanzar en la misma dirección; de hecho, ya ha comenzado a través de campañas institucionales, de ONG’s, y de algunas firmas comerciales como Benetton.
Introducción del libro El cuerpo en venta Juan Carlos Gauli. Cuadernos de Arte Cátedra |
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Les corps dans les violences de masse
Volume 37 numéro 1 • printemps 2009
CORPS PHOTOGRAPHIQUES / CORPS POLITIQUES
Responsables: Alexis Lussier et François Soulages
http://www.uqac.ca/protee/pages/anciens_num.html
Les violences de masse ont représenté un phénomène structurant du 20e siècle. Du génocide arménien au Rwanda, de la Grande Terreur stalinienne à la Shoah, des dictatures d’Amérique latine au génocide cambodgien, des millions d’êtres humains ont été assassinés en dehors des champs de bataille. Les sciences sociales se sont emparées à l’issue de la seconde guerre mondiale des questions inédites posées par le phénomène génocidaire et l’assassinat en masse de civils, auxquelles elles ont apportés différents éclairages. Le thème du corps représente pour sa part, depuis plusieurs décennies, une thématique transversale des sciences sociales, notamment marquée par les apports de l’histoire, de l’anthropologie ou de la sociologie mais aussi des sciences politiques.
Or, de façon assez paradoxale, et malgré l’importance des travaux menés sur le corps d’une part et les violences de masse d’autre part, la question du corps dans les violences de masse demeure encore un thème largement inexploré. Pourtant, le sort fait au corps, et singulièrement au corps mort, semble véritablement constituer une clé pour la compréhension de l’impact des violences de masse et des génocides sur les sociétés contemporaines.
Prenant appui sur une réflexion engagée conjointement dès 2010, l’historien Jean-Marc Dreyfus (Université de Manchester, UK) et l’anthropologue Elisabeth Anstett (CNRS-Iris, France) ont donc souhaité placer la question du corps mort au centre d’un projet de recherche consacré à la postérité des violences de masse du 20e siècle. Ce vaste projet de recherche (CORPSES OF MASS VIOLENCE AND GENOCIDE), lauréat d’une bourse du Conseil européen de la recherche (ERC) en 2011, se déploiera durant quatre années jusqu’en janvier 2016. Il sera divisé en trois grandes phases, chacune ciblant un aspect différent du traitement des corps en masse dans la violence paroxystique : la phase de destruction ; la phase de l’identification; et la phase de (ré)conciliation.
La conférence qui aura lieu à Paris en septembre 2012 s’inscrit dans la première phase du projet – Corps et destructions- dont elle constituera le moment fort. Car dans le contexte des violences de masse, la mort ne constitue pas la fin du travail des bourreaux. Les exactions sont accompagnées d’un traitement et d’une manipulation complexes, parfois d’une véritable ingénierie technique et sociale sur les cadavres, une phase qui est étonnement peu documentée par la recherche. C’est précisément cette phase que la conférence se propose d’explorer, dans la multiplicité des situations extrêmes.
Les communications interrogeront donc le traitement des corps dans les massacres. Ceux-ci ont pu être détruits dans un processus systématique, administratif et industriel : l’exemple le plus achevé étant fourni par les chambres à gaz et les crématoires d’Auschwitz-Birkenau. Les cadavres ont pu être enterrés anonymisés dans des fosses communes, comme durant la Grande Terreur stalinienne et pour les morts du goulag. Certains corps ont été incinérés dans des crématoires d’Etat comme en Union Soviétique ou en Argentine. Souvent, les fosses ont été rouvertes, afin de perfectionner le camouflage des cadavres : ceux-ci étant morcelés et éparpillés au sein de fosses secondaires ou tertiaires, comme lors des massacres en Bosnie dans la guerre qui a suivi l’éclatement de la Yougoslavie ou encore ré-inhumés comme dans le cas de l’opération carotte en Uruguay. Cette intervention technique sur les corps, qui a demandé le déploiement de ressources importantes, avait pour objectif d’empêcher toute identification future. Les corps furent aussi parfois brûlés après avoir été exhumés, afin de dissimuler les traces du crime, comme lors de « l’opération 1005 » de la Shoah. Les corps ont pu être exhibés, par exemple lors de la grande famine chinoise du Grand Bond en avant. Ils ont parfois été systématiquement profanés. Le traitement des morceaux de corps – membres, tête, cheveux – mais aussi des restes humains – chair, ossements, sang – devra à cet égard également être considéré de façon spécifique.
Le colloque qui portera sur le XXe siècle privilégiera les approches pluridisciplinaires et novatrices, sans exclusion d’aucune zone géographique mais sans non plus volonté d’exhaustivité. Il s’agira de reconsidérer les motivations, les cadres idéologiques et politiques, et les aspects techniques que révèle la destruction des corps, dans une perspective instrumentale qui devra ouvrir de nouveaux axes de recherche. L’apport des études sur la médecine légale sera particulièrement apprécié.
Parmi de très nombreux questionnements, le colloque accueillera particulièrement des communications sur les aspects suivants :
- les bourreaux, structures de mise à mort et de traitement des corps.
- l’idéologie mise en oeuvre dans le traitement spécifique des cadavres
- les technologies de traitement des corps, innovation et standardisation
- traces et témoignages : la question des témoins, des organisations humanitaires restées sur le lieu des massacres, des observateurs internationaux
- le problème de la comptabilité des cadavres
- la question du genre dans le traitement des corps.
- les aspects économiques de la destruction
- le statut symbolique des corps dans ces violences de masse, leur valeur (les corps comme otage ou comme monnaie d’échange)
- le statut juridique des cadavres dans les violences de masse
- les approches anthropologiques de l’inscription de la destruction des corps dans l’idéologie des sociétés génocidaires
- les approches anthropologiques des restes humains : ossements, cendres, cheveux, fluides corporels
Modalités :
Les propositions de communication devront être envoyées avant le 5 avril 2012 à l’adresse électronique suivante : info@corpsesofmassviolence.eu
Elles devront comporter un maximum de 4000 signes et être accompagnées d’un curriculum vitae de deux pages maximum.
La réponse aux propositions sera communiquée le 30 avril 2012.
Les organisateurs du colloque prendront en charge les frais de transport et d’hébergement des intervenants. La conférence se déroulera en français et en anglais, avec traduction simultanée.
Organisateurs : Elisabeth Anstett (CNRS, IRIS, Paris, France) et Jean-Marc Dreyfus (Université de Manchester, Grande-Bretagne)
Comité scientifique : Michel Signoli (CNRS, France), Caroline Fournet (Université de Groningen, Pays-Bas), Sévane Garibian (Universités de Neufchâtel et Genève, Suisse), Jon Shute (Université de Manchester).
- vendredi 05 avril 2002
- Jean-Marc Dreyfus
courriel : info (at) corpsesofmassviolence [point] eu
L'éthique sportive
La conquista del cuerpo
También aparecerá mostrando su cuerpo, pero no sólo como consecuencia de los «descocados» números de la revista musical, o género sicalíptico, donde ya era habitual el desnudo integral. La mujer encontrará en el deporte una forma de mostrar su cuerpo, y también a través de los abundantes concursos de belleza de la época. Empezará a concurrir a las piscinas públicas, que sencillamente no existieron hasta la llegada de la República, y también a las playas de mar o de río.
El auge de la lencería sugestiva también será importante y se asistirá a una moda que consistirá en una combinación muy corta: provocativo sujetador y un pequeñísimo pantalón.
El desnudo femenino, y también el masculino, aunque menos, estarán presentes en el mundo del espectáculo y en el cine. Serán además los años de florecimiento del travestismo en ciertos tugurios del Barrio Chino de Barcelona, con personajes como Flor de Otoño, La Asturianita o Mirko, especializadas en la imitación de las tonadilleras más conocidas del momento.
Serán también años de gran crecimiento de las sociedades nudistas, con publicaciones de cierta influencia, con sus fi ncas de recreo y playas autorizadas.
La educación sexual de los españoles será un reto en el que se implicarán asociaciones creadas con esa finalidad, así como la universidad.
Como no podía ser de otra manera, el debate en torno a la prostitución tuvo también su lugar, con importantes organizaciones abolicionistas.
A la socialización de los españoles en todo lo concerniente al sexo y la normalización del desnudo contribuyeron las entonces florecientes editoriales de novelas cortas, eróticas y hasta pornográfi cas, de aparición semanal, como La Novela Pícara. De la misma editorial eran los tomos mensuales de Iberia Plástica, con desnudos artísticos en los que aparecían modelos hispanas, tocadas a veces con velos o con los castizos mantones de Manila.
Isabelo Herreros es periodista y escritor. Ha ejercido el periodismo de investigación durante más de veinte años, fue profesor en la Universidad Complutensede Madrid y ha dirigido la revista Política. También ha trabajado en la prensa satírica y de humor. Actualmente colabora en la prensa digital y en programas radiofónicos dedicados a la literatura. Es autor de libros y ensayos acerca de la Segunda República, la guerra civil y la represión franquista, como Mitología de la cruzada de Franco. Acerca del exilio español de 1939 ha realizado y publicado investigaciones sobre los españoles asesinados en los campos de exterminio nazi. También ha escrito biografías de personalidades republicanas...
Corps isolés
16/03/2012 Arman TADEVOSYAN
Des empreintes de corps émergeant d'une brume colorée se tiennent devant nous comme en apesanteur...
Si les miniatures chrétiennes des anciens manuscrits arméniens ne sont pas tout à fait étrangères à la génèse de la série « Corps isolés », cette ré-interprétation toute personnelle du thème du corps, dans la peinture, offre une image, dont il reviendra à chacun d'y lire la fragilité ou la force... la souffrance ou la joie !
Corps et vieillissement
Envisager le corps dans son aspect purement physique demeure réducteur et conduit à l'occultation de l'âge.
Le corps pour soi (la manière dont la personne se perçoit) et le corps pour les autres (livré aux regards des autres et image renvoyée par autrui) sont ici convoqués pour tenter de comprendre les
mécanismes de (re)construction identitaire au cours du vieillissement. L'auteur envisage la place des activités physiques et sportives dans ce processus. En effet, relevant autant de l'idéologie
dominante, associant le sport et la santé, que de mises en scène et d'expériences individuelles du corps, elles peuvent être considérées comme des analyseurs pertinents pour étudier l'écart entre
les images culturelles et l'expérience intime du vieillir.
Espace Cerveau – Station 8
Le corps en acte. Schéma corporel, Image du corps, Conscience du corps, Chair, Intersubjectivité, Perception… autant de notions encore au cœur des sciences ..
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www.centrepompidou-metz.fr/frEn cacheLe Centre Pompidou-Metz est un centre d'art dédié à l'art moderne et ... Alain Berthoz, professeur au Collège de France, Chaire de physiologie de la perception ...
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www.i-art-c.org/laboratoireespacecerveau/index.php?/stations/...En cacheCentre Pompidou-Metz ... Arnauld Pierre, historien de l'art, professeur à l'
Université Paris IV-Sorbonne ... Alain Berthoz, Ingénieur, psychologue, neurophysiologiste, professeur honoraire au ... reservations.spectacles@ centrepompidou-metz.fr ...
Initié par l’artiste Ann Veronica Janssens et Nathalie Ergino, directrice de l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne, ce projet Interdisciplinaire, rassemble les réflexions et les expériences d’artistes et de scientifiques (neurosciences, physique, astrophysique) ainsi que celles de philosophes, d’anthropologues, de théoriciens et d’historiens de l’art autour de l’espace et du cerveau. Invitée par le Centre Pompidou-Metz, l'équipe abordera l'exposition Erre, Variations Labyrinthiques comme sujet d'étude.
Cette conférence sera précédée d'une journée d'étude de 13:30 à 16:30.
Intervenants :
- Alain Berthoz, professeur au Collège de France, Chaire de physiologie de la perception et de l’action.
- Michel Lussault, géographe, professeur à l’Université de Lyon (Ecole normale supérieure Lettres et Sciences Humaines), membre de l’Unité Mixte de recherche CNRS 5600 Environnement, ville, société.
- Elisa Brune, écrivain (romancière, essayiste) et journaliste scientifique
- Denis Cerclet, anthropologue, maître de conférences à l’Université Lumière Lyon 2
- Arnauld Pierre, historien de l’art, professeur à l’Université Paris IV-Sorbonne
- Jean-Louis Poitevin, docteur en philosophie, écrivain et critique d’art
- Pascal Rousseau, historien de l’art et commissaire d’expositions, maître de conférences à l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne (en attente de sa confirmation de participation)
- Nathalie Ergino, directrice de l'Institut d'art contemporain (Villeurbanne)
Le métier de mère
Le métier de mère
Un ouvrage de Séverine Gojard (La dispuste, Coll "Corps, santé, société", 2011)
Les mères sont confrontées après la naissance d’un enfant, à de nombreuses décisions. L’allaiter ou pas ? A heures fixes ou à la demande ? Quand appeler le médecin ? Auprès de qui faut-il prendre conseil ? Sa propre famille. son médecin. ses amies. les ouvrages scientifiques ou grand public : tous prétendent dire comment prendre soin de son enfant. mais sont loin d’être d’accord entre eux sur les méthodes pour y parvenir.
- La transmission familiale
- Les professionnelles de la petite enfance
- Les livres et la presse spécialisée
- L'évolution des conseils et des pratiques au fil des naissances
- Le modèle de la mère disponible au regard des conditions de vie
L'auteur en quelques mots... Séverine Gojard.
sociologue. chargée de recherche au laboratoire Alimentation et sciences sociales de l'INRA, analyse les ressorts de la prise de conseil, de la réception des normes de puériculture et de
leur application. à partir d'une enquête approfondie auprès de mères de jeunes enfants. Elle montre que les positions et trajectoires sociales des femmes déterminent en grande partie
l'orientation vers tel ou tel prescripteur.
Les recours aux conseils et leur mise en pratique varient en fonction des configurations familiales. parcours scolaires et contraintes professionnelles des mères mais aussi de leurs
savoir-faire préalables, particulièrement dans le domaine des soins aux jeunes enfants. L'auteur en quelques mots...
